Tony Iommi - Black Sabbath Pioneer

1. Biografía.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.
4. Último adios de Tony Iommi a Ronnie James Dio.

1. Biografía.

Tony Iommi es sinónimo de heavy rock, y se le considera como a uno de los inventores de dicho género, tal y como publica en su web oficial "con ayuda de la oscuridad y fatalidad de Black Sabbath".

Nacido el 19 de febrero de 1948, en Birmingham, Inglaterra, Iommi cogió la guitarra tras verse inspirado por Hank Marvin & the Shadows cuando era joven. En 1967, Iommi había tocado con varias bandas de rock blueseras, y formó un grupo (Earth) junto a tres antiguos compañeros de la escuela, el bajista Terry "Geezer" Butler, el batería Bill Ward, y el cantante John "Ozzy" Osbourne.

Sin embargo la carrera musical de Iommi estuvo a punto de desbaratarse prematuramente al sufrir un terrible accidente en una fábrica de hojas de metal, cuando una máquina le rebanó las puntas de sus dedos de la mano derecha. Deprimido y pensando que sus días como guitarrista habían terminado para siempre, un amigo le mostró el ejemplo de Django Reinhardt (que perdió sus dos dedos en una hoguera en una caravana de gitanos), que inspiró a Iommi dándole otra oportunidad a las seis cuerdas, con prótesis de plástico colocadas en la punta de sus dedos.

Poco después, Iommi recibió una tentadora oferta para unirse a Jethro Tull's en 1968, que aceptó a regañadientes. Tras una sóla actuación con Tull (tocando la canción "Song for Jeffrey" en el especial de TV inédito de Rolling Stones titulado "Rock & Roll Circus"), Iommi se marchó de la banda para volver a Earth.

Puesto que ya existía una banda tocando en Inglaterra llamada Earth, Iommi y Co. se vieron obligados a cambiar el nombre de su grupo, cogiendo el de "Black Sabbath" a partir del título americano de una película clásica de terror italiana "I Tre Volti Della Paura".

Con el cambio de nombre su música tomó una nueva dirección, en la que explorarían temas líricos más oscuros, al mismo tiempo que la música se tornó repetitiva, lenta y pesada. En el proceso, Sabbath creó un patrón, el sello del heavy metal, y con sus primeros discos, tales como Black Sabbath (1969), Paranoid (1971), Master Of Reality (1971), Vol. 4 (1972), Sabbath Bloody Sabbath (1973), se convirtieron en una de las mejores bandas de rock duro del momento, colocando a dichos discos entre los clásicos más grandes de todos los tiempos con una influencia increíble dentro del género. El estilo de tocar la guitarra de Iommi estableció los estándares del metal con temas como "Black Sabbath," "N.I.B.," "Paranoid," "Iron Man," "War Pigs," "Into the Void," y "Children of the Grave", que presumen de tener los riffs de guitarras más reconocibles de la historia del rock.

Pero a mediados de los 70s, las constantes giras y el abuso de drogras comenzaron a fracturar la banda, llevando a la salida de Osbourne de la misma en 1979. Tras mantaner vivo el nombre de la banda con varias grabaciones inspiradas en los trabajos de Osbourne, que incluían los álbumes de Ronnie Dio, "Heaven & Hell" (1980) y "The Mob Rules" (1981), que reestablecieron el éxito comercial de la banda, Iommi desplazó a la banda a Europa y grabó varios discos con Tony Martin, entre los que destaca "Headless Cross", con el que hicieron giras que abrieron nuevos horizontes hacia Rusia y todos los paises del este.

La formación original de Sabbath se volvió a unir a finales de los 90's obteniendo un gran éxito, reclutando nuevos fans a partir de aquellas legiones de seguidores que eran demasiado jóvenes para haber escuchado a la banda en los años 70's. Tras la gira "Reunion" obtuvieron un premio Grammy con la canción "Iron Man" (grabada en Birmingham NEC y publicada en un disco en directo de la gira) ganando en la categoría de mejor Actuación de Metal en 1999.

Aunque algunos álbumes de Sabbath de los 80s y 90s podrían considerarse como discos en solitario de Tony Iommi (Seventh Star en 1986 fue publicado como un album de Sabbath en el último momento por Warner Bros.), su primer disco en solitario fue "Iommi" editado en 2000. El disco poseía 10 canciones, fue recibido muy cálidamente por la prensa y el público, y en él colaboraron artistas de rock importantes tales como Henry Rollins, Dave Grohl, Billy Corgan, Phil Anselmo y Ozzy Osbourne, entre otros.

Al año siguiente, Iommi regresó de gira con Black Sabbath como cabeza de cartel en el Ozzfest de 2001. La banda ganó su segunda nominación a los Grammy con la canción "The Wizard" de su álbum "Ozzfest 2001: The Second Millenium" que se publicó tras la gira.

El 3 de junio de 2002, se unió a Ozzy para tocar "Paranoid" ante la Reina de Inglaterra, la Familia Real y 12000 personas en la pista del Palacio de Buckingham en un concierto conmemorativo del cincuenta aniversario de la Reina.

Al ser uno de los escritores de "Changes", Iommi recibió su primera nominación Ivor Novello cuando la canción compitió en la categoría de Single Más Vendido en UK tras su publicación en 2003 por Ozzy y Kelly Osbourne.

Pasó los primeros meses de 2004 trabajando en estudio para sus proyectos en solitario, completando determinado material grabado con Glenn Hughes en Birminghan en 1996, que fue cogido por Sanctuary Records para una publicación en otoño bajo el título "The 1996 DEP Sessions". Mientras tanto, Tony y los otros 3 miembros de la formación original de Black Sabbath se reunieron para actuar en el Ozzfest de 2004 en USA como cabeza de cartel.

La gira continuó en 2005, con un tour por Europa comenzando en junio (incluyendo una importante actuación en el festival Download de UK), y otra actuación en el Ozzfest desde julio a septiembre. Publicó su álbum "Fused" en 2005. Con Glenn Hughes en la voz y Kenny Aronoff a la batería, el álbum fue grabado en los estudios Monnow Valley en Monmouth, Gales a finales de 2004 bajo la magnífica producción de Bob Marlette que produjo el primer disco en solitario de Tony en 2000.

Black Sabbath entró a formar parte del Paseo de la Fama de la Música de UK en noviembre de 2005. La banda recibió el homenaje de la mano del guitarrista de Queen Brian May, y tocó "Paranoid" en la ceremonia en el Palacio Alexandra de Londres. En marzo de 2006, Metallica introdujo a Black Sabbath en el Paseo de la Fama del Rock & Roll en Nueva York. Mientras tanto, Tony estuvo trabajando en sus programas de radio "Black Sunday" para la emisora de radio de UK Planet Rock.

A finales de 2006, Tony se reunió con Ronnie James Dio, Geezer Butler y Vinny Appice para grabar tres nuevas canciones para el CD "Black Sabbath: The Dio Years" que fue publicado por Rhino en abril de 2007. Hicieron una gira por Canada bajo el nombre de "Heaven & Hell" que finalizó con un show especial en la emisora de Nueva York "Radio City Music Hall". Después hicieron una gira por USA en abril y mayo, posteriormente varios conciertos de verano en Europa y finalmente un tour en el arena de UK en noviembre de 2007.

A primeros de 2008 la banda comenzó a trabajar en un nuevo álbum de Heaven & Hell en estudio, sin embargo, durante el verano se paralizó el proyecto debido a su participación en el "Metal Masters" con Judas Priest en 17 conciertos por US. Coincidiendo con ello, Rhino Records publicó una caja con todas las grabaciones de Ronnie James Dio con la banda, remasterizada y con material y notas extras. El nuevo álbum de la banda "The Devil You Know" fue publicado en abril de 2009 por Rhino / Roadrunner alcanzando el nº 8 en las listas de éxitos de USA. Tras la positiva reacción de dicho trabajo hicieron una gira durante 4 meses por Sudamérica, Europa y Norte América. Recientemente Black Sabbath ha celebrado su 40 aniversario con la discográfica Universal Records re-editando determinados álbumes con material adicional, y en 2010 se ha producido el 30 aniversario del álbum Heaven & Hell. Tony y la banda comenzaron a hacer giras por Europa para celebrar dicho evento. Desgraciadamente Ronnie James Dio falleció el pasado 16 de mayo de 2010 dejando para la historia y en nuestra memoria grabaciones y conciertos memorables e inolvidables, sirva este post como homenaje a su legado en Black Sabbath, ¡¡ Larga Vida a la Voz del Metal !!.

2. Discografía.

• 1970 - Black Sabbath - Black Sabbath
• 1970 - Paranoid - Black Sabbath
• 1971 - Master of Reality - Black Sabbath
• 1972 - Volume 4 - Black Sabbath
• 1974 - Sabbath Bloody Sabbath - Black Sabbath
• 1975 - Sabotage - Black Sabbath
• 1975 - We Sold our Soul for Rock'N'Roll - Black Sabbath
• 1975 - Funkist - Bobby Harrison
• 1976 - Technical Ecstasy - Black Sabbath
• 1977 - Quartz - Quartz
• 1978 - Never Say Die - Black Sabbath
• 1980 - Live At Last (1973) - Black Sabbath
• 1980 - Heaven & Hell - Black Sabath
• 1981 - Mob Rules - Black Sabbath
• 1981 - Heavy Metal - Soundtrack
• 1982 - Live Evil - Black Sabbath
• 1983 - Born Again - Black Sabbath
• 1986 - Seventh Star - Black Sabbath
• 1987 - Eternal Idol - Black Sabbath
• 1989 - Headless Cross - Black Sabbath
• 1989 - Rock Aid Armenia - Various Artists
• 1990 - Guitar Speak II - Various Artists
• 1990 - TYR - Black Sabbath
• 1992 - Wayne's World - Soundtrack
• 1992 - Dehumanizer - Black Sabbath
• 1992 - The Freddie Mercury Tribute Concert - Various Artists
• 1993 - Death and Progress - Diamond Head
• 1993 - Live & Loud - Ozzy Osbourne
• 1994 - Cross Purposes - Black Sabbath
• 1995 - Cathedral - The Carnival Bizarre
• 1995 - Cross Purposes Live - Black Sabbath
• 1995 - Forbidden - Black Sabbath
• 1996 - The Sabbath Stones - Black Sabbath
• 1996 - Twang! - A Tribute to Hank Marvin & The Shadows
• 1997 - The Ozzman Cometh - Ozzy Osbourne
• 1998 - Reunion - Black Sabbath
• 2000 - Iommi - Tony Iommi
• 2002 - Party At The Palace: The Queen’s Concerts, Buckingham Palace - Various Artists
• 2002 - Symptom of the Universe: The Original Black Sabbath - Black Sabbath
• 2004 - The 1996 DEP Sessions - Iommi with Glenn Hughes
• 2004 - Black Box: The Complete Original Black Sabbath (1970-1978) - Black Sabbath
• 2005 - Fused Read the press release for Fused! - Iommi (Tony Iommi / Glenn Hughes)
• 2006 - GREATS HITS 1970-1978 - Black Sabbath
• 2007 - Live At Hammersmith Odeon - Black Sabbath
• 2007 - Live Radio City Music Hall - Heaven and Hell
• 2007 - The Dio Years - Black Sabbath
• 2008 - The Rules of Hell - Black Sabbath
• 2009 - Past Lives - Black Sabbath
• 2009 - The Devil You Know - Heaven and Hell

3. Enlaces de interés.

• Tony Iommi Official Website.
• Tony Iommi in MySpace.

4. Último adios de Tony Iommi a Ronnie James Dio.

"Mi querido amigo Ronnie

Ayer 16 de mayo...

Mi muy querido amigo Ronnie James Dio falleció a las 7.45am hora de Los Angeles. Me he quedado totalmente desolado simplemente no puedo creer que se haya marchado. Ronnie fue una de las personas más agradables que uno haya podido conocer, pasamos unos momentos fantásticos juntos. Ronnie amaba lo que hacía, hacer música y tocarla en el escenario. Amaba muchísimo a sus fans. Era el tipo de persona que se entregaba a los demás. Puedo decir honestamente que ha sido verdaderamente un honor tocar a su lado durante todos estos años, su música vivira por siempre. Nuestro pensamiento está con Wendy Dio que estuvo junto a Ronnie hasta el final, él la quería mucho. El hombre de la voz mágica es una estrella entre las estrellas, un profesional auténtico. Te echaré mucho de menos querido amigo.

RIP - Tony"

Tony MacAlpine - Project: Driving To The Edge Of Insanity

1. Biografía.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.

1. Biografía.

Tony MacAlpine es un virtuoso de la guitarra progresiva, su educación musical comenzó como pianista y violinista. Sus discos de rock poseen una pronunciada influencia clásica, incorporando también elementos de jazz y fusión. Una de sus principales influencias ha sido Chopin, al que rinde tributo a través de sus propias interpretaciones de los Études de Chopin que aparecen en la mayoría de sus grabaciones. MacAlpine ha influido y contribuido mucho al género de metal neoclásico de finales de los 80's, llegando a ser conocido por su estilo de rock instrumental caracterizado por elementos técnicos shred avanzados.

Debutó en 1986 con el álbum instrumental Edge of Insanity, grabado con una formación all-star que incluía al bajista Billy Sheehan y al ex-batería de Journey Steve Smith. Para su siguiente trabajo, "Project: Driver", MacAlpine formó la banda M.A.R.S. con el batería Tommy Aldridge, el vocalista Bob Rock y el bajista Rudy Sarzo. Posteriormente continuó con su carrera en solitario creando su propio sello discográfico, Squawk.

Tras Maximum Security en 1987, fundó otro grupo, que se llamó simplemente MacAlpine, con el cantante Alan Schorn, el teclista Mark Robertson, el bajista Mike Jacques y el batería Billy Carmassi. El único disco de la banda, Eyes of the World, se publicó en 1990, y posteriormente MacAlpine regresó a sus proyectos instrumentos durante el resto de la década, grabando álbumes como Freedom to Fly (1992), Evolution (1995), Live Insanity (1997) y CAB (2000). Fue nominado para el GRAMMY con CAB2 en 2001. CAB4 fue editado en 2003 por Favored Nations.

He participado como teclista en grabaciones legendarias como, Mind's Eye de Vinnie Moore y Out Of The Sun de Joey Tafolla entre otras. Ha sido guitarrista acompañante de los renombrados teclistas Vitalij Kuprij y Derek Sherinian. También ha tocado la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, The Breed (hasta 2006).

2. Discografía.

• En solitario:
  • 1985 - Edge of Insanity
  • 1987 - Maximum Security
  • 1990 - Eyes of the World
  • 1992 - Freedom to Fly
  • 1993 - Madness
  • 1994 - Premonition
  • 1995 - Evolution
  • 1996 - Violent Machine
  • 1997 - Live Insanity (live)
  • 1999 - Master of Paradise
  • 2001 - Chromaticity
  • 2006 - Collection: The Shrapnel Years (compilation)
• Con M.A.R.S. (MacAlpine/Aldridge/Rock/Sarzo):
  • 1986 - Project: Driver
• Con Planet X:
  • 2000 - Universe
  • 2002 - Live from Oz (live)
  • 2002 - MoonBabies
• Con CAB:
  • 2000 - CAB
  • 2001 - CAB 2
  • 2003 - CAB 4
  • 2008 - Theatre de Marionnettes
• Con Ring of Fire:
  • 2003 - Dreamtower
  • 2004 - Burning Live in Tokyo (live)
  • 2004 - Lapse of Reality
• Con G3:
  • 2004 - G3 Live - Rockin’ In The Free World
  • 2005 - G3 - Live In Tokyo
• Con Devil's Slingshot:
  • 2007 - Clinophobia
• Otras colaboraciones:
  • 1986 - Mind's Eye – Vinnie Moore
  • 1987 - Out of the Sun – Joey Tafolla
  • 1999 - The Maze – Vinnie Moore
  • 1999 - VK3 – Vitalij Kuprij
  • 2000 - Ring of Fire – Mark Boals
  • 2002 - Edge of the World – Mark Boals
  • 2003 - Steve Vai Live at the Astoria
  • 2006 - Collection: The Shrapnel Years – Vinnie Moore (compilation)

3. Enlaces de interés.

• The Official Tony MacAlpine Website.
• Tony MacAlpine in MySpace.

Larry Coryell - Offering To Guitar Gods

1. Biografía.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.

1. Biografía.

Larry Coryell es uno de los maestros de guitarra más reconocidos del mundo. Ha grabado más de 75 álbumes durante los últimos 40 años como solista, acompañante y lider de otras bandas. A finales de los 70's fue aclamado por sus legiones de fans como uno de los "dioses de la guitarra" y como "verdadero músico Renacentista que destaca en todos los estilos musicales", también ha sido bautizado como "un verdadero pionero de la música rock-jazz fusión" por el periódico New York Times, y apodado "el Padrino de la fusión" por Dan Ouellette de la revista Down Beat.

Nacido en Galveston, Texas, Larry comenzó con varios instrumentos músicales antes de decidirse por la guitarra. Entre sus primeras influencias caben destacar Chet Atkins, Chuck Berry y (posteriormente) Wes Montgomery.

Larry llegó a Nueva York City via Seattle en 1965, donde comenzó a depurar su formidable destreza instrumental como base de su expresión musical. Hasta lograr la maestría en cada aspecto de la guitarra, Larry también estudió guitarra clásica con Leonid Bolotine. Tras desarrollar la primera reencarnación de su virtuosa técnica Larry hizo su primera gran actuación con Killer Joe Piro. Su reconocimiento a nivel nacional le llegó mientras tocaba con Gary Burton Quartet en 1967.

A finales de los 60's y principios de los 70's Larry se convirtió en uno de los guitarristas más demandados de Rock, Jazz y todos los géneros musicales. Durante aquella época Larry formó parte de proyectos de experimientación Rock junto a otras bandas y músicos tales como Jack Bruce, Jimmy Webb, la 5th Dimension, Charles Mingus, Billy Cobham, Chick Corea y John McLaughlin. A través de los álbumes producidos durante este período, Larry Coryell emergió como un profundo músico profeta que fusionó escalas y modos orientales, de Rock y de Jazz, así como otras formas libres de improvisación clásica.

En 1974 Larry formó The 11th House, la banda de fusión más popular y exitosa de su tiempo, que incluía a su amigo y colega Randy Brecker. Tras disolverse The 11th House, Larry firmó con Clive Davis de Arista Records, con el que grabó varios álbumes en solitario, a los que le siguió una grabación de una sola toma con Brecker Brothers.

Desde los 80's hasta ahora, tanto las grabaciones de Larry Coryell como sus actuaciones en directo cubren una amplia gama que se extiende desde pequeños y grandes clubs, hasta salas de conciertos de todo tamaño. Ha actuado de forma regular en el Blue Note e Iridium en New York City, Catalina en Los Angeles, Blues Alley en Washington DC, Ronnie Scott en
Londres y Porgie & Bess' en Viena. Larry tampoco es un desconocido en los grandes festivales al aire libre del lejano oriente, Europa, Brasil e incuso en el Barbican de Londres.

En 2007 la empresa The Hal Leonard publicó Larry's Autobiography "Improvising, My Life In Music" y una retrospectiva de las composiciones propias de Larry, con temas que representan sus 40 años como músico profesional, compositor e innovador. Volviendo a su alma mater inicial, en la Universidad de Washington, Larry ha transmitido en los últimos años, a sus estudiantes de música de más alto nivel, su conocimiento y su técnica.

Larry ha diseñado y es portavoz de su propia línea profesional de guitarras hechas por Cort. También patrocina las guitarras Parker, el Software Musical Sibelius, las cuerdas DR y los "Jazz Amp" de Henriksnen.

Sus últimos trabajos están disponibles a través de Chesky Records ("Impressions", "Traffic" & Electric"), Rhombus Records ("Laid Bakc & Blues"), HighNote ("Cedars Of Avalon"), y Favored Nations("Tricycles").

2. Discografía.

• 1967 - Free Spirit
• 1969 - Coryell
• 1969 - Lady Coryell
• 1971 - Fairyland
• 1971 - Barefoot Boy
• 1971 - Live at the Village Gate
• 1972 - Offering
• 1972 - Introducing Larry Coryell & The 11th House
• 1973 - The Great Escape
• 1974 - At Montreux (1974) [live]
• 1974 - Restful Mind
• 1974 - Level One
• 1974 - Spaces
• 1975 - Planet End
• 1975 - The Other Side of Larry Coryell
• 1976 - Aspects
• 1976 - The Lion And The Ram
• 1976 - Twin House
• 1976 - Two For The Road
• 1977 - Back Together Again
• 1977 - Live In Europe
• 1978 - Difference
• 1978 - Standing Ovation
• 1978 - European Impressions [live]
• 1978 - Tributaries
• 1978 - Better Than Live
• 1978 - Splendid
• 1979 - Return
• 1979 - Free Smile
• 1981 - Bolero
• 1982 - Larry Coryell - Michael Urbaniak Duo
• 1982 - Larry Coryell
• 1983 - A Quiet Day In Spring
• 1984 - Coming Home
• 1984 - Just Like Being Born
• 1984 - L' Oiseau De Feu (Firebird)/ Petrouchka
• 1985 - Equipoise
• 1985 - Together
• 1986 - Le Sacre du Printemps
• 1987 - Toku Do
• 1989 - American Odyssey
• 1989 - Shining Hour
• 1990 - Coryell Plays Ravel & Gershwin
• 1990 - Dragon Gate
• 1991 - Twelve Frets to One Octave
• 1992 - Live From Bahia 1992
• 1993 - Fallen Angel
• 1994 - I'll Be Over You
• 1996 - Sketches of Coryell
• 1997 - Spaces Revisited
• 1998 - Cause and Effect
• 1999 - Monk, 'Trane, Miles & Me
• 2000 - Coryells
• 2000 - New High
• 2001 - Inner Urge
• 2001 - Count's Jam Band Reunion
• 2002 - Moonlight Whispers
• 2002 - Cedars of Avalon
• 2002 - Bird Fingers
• 2002 - Inner City Blues
• 2002 - Live from Bahia
• 2003 - The Power Trio: Live in Chicago
• 2003 - Shining Hour
• 2004 - Tricycles
• 2004 - Bolero/Scheherazade

3. Enlaces de interés.

• Larry Coryell Official Web Site

Jason Becker - Perpetual Burn In Our Hearts

1. Comentario personal.
2. Intro.
3. Estilo.
4. Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA).
5. Perspective y The Berry Jams.
6. Expectativas.
7. Discografía.
8. Enlaces de interés.


1. Comentario personal

Aprovecho esta ocasión para enviarle un fuerte abrazo a Jason Becker así como todo el apoyo y ánimo del mundo, tu música, tu talento, tu esfuerzo y energía son un ejemplo de lucha, constancia, perseverancia y amor a la música y a la vida para todos nosotros. Muchas gracias.

2. Intro

A pesar de encontrarse completamente paralizado desde 1997, Jason continúa componiendo. Su esperado CD "The Jason Becker Collection" está a la venta en Shrapnel Records y en iTunes.

3. Estilo

Jason Becker estudió las obras del violinista Niccolo Paganini y fue compañero de Marty Friedman. Compuso un arreglo del 5th Caprice de Paganini, que interpretó en el transcurso de su video de enseñanza de guitarra. Entre las composiciones de Becker encontramos pasages que incluyen escalas y arpegios ejecutados a alta velocidad, en los que deja plasmado su estilo único "shred" de tocar la guitarra. La canción "Serrana", que aparece en su álbum Perspective, es un claro ejemplo de destreza haciendo sweep-picking. Interpretó este tema que incluye secuencias de arpegios durante un clinic en el Atlanta Institute Of Music. Esta actuación se publicó por primera vez en su video de enseñanza de guitarra editado por Hot Licks y que puede verse en su página oficial.

Becker comenzó a tocar junto a Marty Friedman en la banda Cacophony (producida por Mike Varney). Becker y Friedman hicieron una gira juntos durante su era Cacophony por Japón y por Estados Unidos. En 1989 Becker se marchó para comenzar su carrera en solitario, grabando su primer trabajo Perpetual Burn en 1988, y posteriormente Perspective, así como dos álbumes de demos, titulados The Raspberry Jams y The Blackberry Jams.

4. Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA)

A los 20 años de edad, se unió a la banda David Lee Roth, sustituyendo a Steve Vai, que se había marchado con Whitesnake. Durante la grabación del álbum A Little Ain't Enough y durante los preparativos de su posterior gira en 1990, Becker comenzó a sentir lo que él describía como una "cojera perezosa" en su pierna izquierda. Pronto se le diagnosticó Esclerosis Laterla Amiotrófica (o enfermedad de Lou Gehrig) y le dieron tres años de vida. Apenas pudo terminar la grabación, utilizando cuerdas más finas y otras técnicas, que le permitieron tocar con sus débiles manos. Aunque pudo terminar el álbum no pudo unirse a la banda durante la gira debido a su incapacidad para actuar en el escenario; el guitarrista de Lizzy Borden Joe Holmes ocupó su lugar en dicha gira.

Finalmente perdió el habla y ahora se comunica con los ojos a través de un sistema desarrollado por su padre Gary, The Eye Communicate Becker System. A pesar de que la ELA le fue privando progresivamente de su capacidad de tocar la guitarra, andar, e incluso finalmente hablar, él aún mantiene su mente despierta y fuerte y, con la ayuda de un ordenador, continúa componiendo. En la parte trasera de la caja de su CD Perspective, Becker afirma "Tengo Esclerosis Lateral Amiotrófica. Ha dejado mi cuerpo y mi habla inválidos, pero no mi mente". Ahora, a sus 30 años su estado médico se mantiene estable desde 1997.

5. Perspective y The Berry Jams

En 1996 Becker publicó su álbum Perspective, un disco instrumental compuesto por él (con la excepción de la canción de Bob Dylan "Meet Me In The Morning"). Comenzó a escribir sus canciones antes de que la ELA le mermará completamente su movilidad. Por medio de su guitarra y luego, cuando fue incapaz de usar sus manos, con un teclado, él continuó componiendo mientras su enfermedad empeoraba. Sin embargo, cuando Becker perdió su movilidad completamente incluso para tocar el teclado, su amigo y productor musical Mike Bemesderfer le ayudó con un programa de ordenador de composición musical que podía leer el movimiento de su cabeza y sus ojos permitiendo a Becker continuar su trabajo de composición después de perder el control de su cuerpo totalmente.

Varios años después Becker publicó Raspberry Jams (1999) y Blackberry Jams (2003), el primero de los cuales contenía varios temas demos inéditos y el último contenía demos y versiones de canciones que habían sido posteriomente publicadas en otros álbumes.

Se han publicado dos álbumes tributo a Jason Becker. Titulados respectivamente Warmth in the Wilderness I y Warmth in the Wilderness II, en ellos intervienen guitarristas tales como Steve Vai, Paul Gilbert, Marty Friedman, Joe Becker, Rusty Cooley, y Mattias Eklundh entre otros. Los beneficios obtenidos con estos discos se donaron a Becker para ayudarle a financiar su tratamiento médico.

6. Expectativas

Becker y el actor Matt Schulze están planeando una película sobre su vida, titulada End of the Beginning. Según la web oficial de Becker, Fender y Charvel van a fabricar guitarras para la película y para el público. Otra película, Mr. Tambourine Man, también está en fase de desarrollo.

Shrapnel Records va a publicar un disco titulado Best of Jason Becker. Becker está actualmente en estudio grabando dos canciones para dicho álbum en las que aparecerán marty Friedman, Greg Howe, Joe Satriani, Michael Lee Firkins, Steve Vai, y Steve Hunter. El álbum también incluirá otras canciones antiguas inéditas.

7. Discografía

• Cacophony:
  • 1987 - Speed Metal Symphony
  • 1988 - Go Off!
• En solitario:
  • 1988 - Perpetual Burn
  • 1996 - Perspective
  • 1999 - The Raspberry Jams
  • 2003 - The Blackberry Jams
  • 2008 - Collection
• Marty Friedman:
  • 1988 - Dragon's Kiss (Marty Friedman)
• David Lee Roth:
  • 1991 - A Little Ain't Enough
  • 2001 - Best Of David Lee Roth
• Richie Kotzen:
  • 1989 - Richie Kotzen (como productor junto con Mike Varney)
• Greg Howe (HOWE II):
  • 1989 - High Gear (tercer solo en la canción "Party Favours")
• Varios Artistas:
  • 1998 - Metal Guitars - High Voltage Instruments (canción nº 13)
• Video de enseñanza de guitarra:
  • 2007 - Hot Licks Video - The Legendary Guitar of Jason Becker

8. Enlaces de interés

• Jason Becker Official Web Site
• Jason Becker on MySpace

Vinnie Moore - Melody and Feel through Mind's Eye

1. Biografía.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.

1. Biografía.

Cuando Vinnie Moore consiguió su primera guitarra (una Kay) a los 12 años, se convirtió, como describe el mismo, en un "freaky de la guitarra" (guitar freak). Entre sus primeras influencias destacan Jeff Beck, The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple y Queen, entre otros.

Vinnie asistió a clases particulares a los 14 años, y se unió a su primera banda, interpretando versiones con un batería, un bajo, dos guitarras y un cantante. Tras varios años tocando con diferentes bandas, Vinnie decidió que ya era el momento para dar el salto y dejar de tocar versiones para crear su propia música. Dejó su banda, cogió un 4-pistas, y comenzó a experimentar grabando sus ideas y componiendo a partir de ellas sus propias canciones. Era evidente que había encontrado su camino; comenzó así su carrera como compositor.

Tras muchas horas de grabación con su 4-pistas, Vinnie envió una demo a la revista Guitar Player, y recibió la atención a través de la sección "Spotlight", del escritor Mike Varney de Shrapnel Records. Ello permitió a Vinnie realizar su primer trabajo profesional en el mundo de la música, que consistió en escribir y tocar la música de un anuncio de televisión para Pepsi. En 1987, Shrapnel publicó el primer álbum de Vinnie, Mind's Eye. Vinnie fue rápidamente anunciado como "mejor nuevo talento" (best new talent) en las revistas Guitar Player, Guitar y Guitar World, y Mind's Eye vendió más de 100,000 copias.

En 1988, Squawk/Polygram publicaron el segundo trabajo de Vinnie titulado Time Odyssey, que consolidó su reputación como innovador musical. Su tercer disco fue Meltdown, en 1991 (con Relativity/Epic Records); donde la canción que da título al álbum fue emitida por la radio nacional en formatos AOR (album-oriented rock) y hard rock. En 1996, Mayhem Records publicó Out Of Nowhere, con Brian Tichy (Billy Idol) a la batería y Dorian Heartsong (Powerman 5000) al bajo.

En su siguiente publicación, The Maze (en 1999), Vinnie se unió al batería de MSG Shane Gaalaas, al bajista Dave LaRue (The Dregs y The Steve Morse Band) y al renombrado maestro de la música Tony MacAlpine a los teclados. The Maze fue sensacional, basado fundamentalmente en el estilo neo-clásico progresivo que ya había generado legiones de leales fans. Vinnie también demostró una nueva y gran madurez como compositor; ahora, tanto su diversidad de estilos como sus influencias musicales exóticas, Látina, Jazz y Blues comenzaron a encontrar su camino dentro de su propio estilo.

Sus siguientes trabajos fueron Live (en 2000), con Shane Gaalaas (batería), Barry Sparks al bajo, y Wayne Findlay a los teclados, y Defying Gravity en 2001 con Dave LaRue (batería), Steve Smith a la batería, y David Rosenthal a los teclados.

Como intérprete, el historial de Vinnie Moore es impresionante. Formó parte de la banda de Alice Cooper, durante su gira por U.S., en el tour Operation Rock'N'Roll, y también participó en la grabación del álbum de Alice Hey Stoopid. Vinnie ha realizado muchos conciertos con su propia banda y también fue elegido para telonear a los legendarios Rush durante la gira Roll The Bones. Vinnie también estuvo de gira por Japón como miembro de la bada de T.M. Stevens, junto a Bernie Worrell (Parliament Funkadelic) a los teclados, Wil Calhoun (Living Color) a la batería, y Al Pitrelli (Megadeth) a la guitarra.

Vinnie ha realizado cientos de clinics de guitarra por todo el mundo en paises tales como Japón, Escandinavia, Italia, Polonia, Méjico, Canadá, Nueva Zelanda, Inglaterra, Alemania y Australia.

En 2003, Vinnie se unió al legendario grupo UFO (Phil Mogg, voz; Pete Way, batería; Jason Bonham, batería; Paul Raymond, teclados). Su primer trabajo con la banda fue Your Are Here (en 2004) publicado por SPV Records; donde Vinnie contribuyó ampliamente en la composición de las canciones. La banda llevó a cabo una gran gira con dicho disco por todo el mundo que duró desde marzo de 2004 a augosto de 2005. Se publicó un DVD en directo grabado durante esa gira en noviembre de 2005. Titulado UFO Showtime, este doble DVD también incluía material extra grabado sobre la banda. Su segundo disco con la banda se llamó The Monkey Puzzle, fue editado en 2006, y supuso el regreso a la banda del batería Andy Parker. La banda hizo una gira por Europa y USA en abril y mayo de 2008. El tercer trabajo de UFO con Vinnie Moore se tituló The Visitor y fue publicado en junio de 2009 por SPV Records. La banda hizo su gira por Europa y USA, y continuó por Europa en la primavera de 2010.

El último CD de Vinnie To The Core (en 2009 por Mascot Records) fue publicado en mayo de 2009 y ha recibido una aclamada crítica en todo el mundo.

Durante muchos años, el 4-pistas de Vinnie se convirtió en un estudio de grabación, donde ha grabado sus dos últimos CDs, y parte de los de UFO. Su estudio de grabación es el lugar donde escribe y compone su música.

Vinnie también se ha dedicado a la enseñanza. Ha impartido muchos clinics de guitarra por todo el mundo, y ha publicado dos videos de enseñanza para la casa HotLicks. Vinnie se acerca a todos sus fans por medios de sus clinics de guitarra para Engl Amplification y Dean Guitars.

Sobre los clinics Vinnie afirma: "Me gusta hablar en persona con mis fans y aprender de ellos. Es gratificante oir lo que les gusta sobre lo que estoy haciendo, y lo que piensan sobre el género de guitarra, y sobre el panorama musical en general. Definitivamente me nutro de su energía. Es genial formar parte del mundo de la guitarra, y es un honor saber que algunas veces sirvo de inspiración a otros a través de mi música y mi guitarra. Me alegra saber que he inspirado a alguien a hacer algo, me encanta. Considero que es un don poder tocar la guitarra y escribir música, y me siento afortunado de tener fans por todo el mundo."

Sobre composición y sobre sus influencias: "Espero seguir creciendo y aprendiendo como compositor y guitarrista, y explorar diferentes tendencias musicales, siguiendo a mi inspiración donde quiera que me conduzca. No planeo mi futuro musical. Quiero seguir a mi música en las áreas que me inspiran y excitan. Soy básicamente un rockero, pero adoro otros estilos de música diferentes, y a veces me inspiro y aprendo de todos ellos. La música es tan amplia, y existen muchas cosas de distintos estilos que nos pueden enseñar y servir de inspiración. En cierto modo siempre ha sido así, moviéndome sobre diferentes influencias musicales, en parte debido a que me gustan muchas cosas y porque me aburro con facilidad!. Es divertido explorar otros caminos, lo que me hace mantenerme entusiasmado como escritor y guitarrista".

Sobre su estudio de grabación: "Me encanta tener un estudio de grabación en casa donde puedo convertir mis ideas en canciones. Realmente es mi pequeño espacio en el universo y me encanta estar allí y ser creativo".

Sobre escribir y componer: "La mayoría de las veces me siento y toco en otros lugares de la casa, y siempre llevo un Walkman, porque en cualquier momento puede surgir una nueva idea para alguna canción. Las ideas musicales generalmente aparecen cuando menos las esperas. No trato de escribir conscientemente; mis ideas simplemente me surgen cuando toco. Las grabo y nunca las escribo".

Sobre tocar: "Siempre me he considerado un tipo melódico y sentimental. En cuanto al estilo de música que toco, la esencia de todo para mí es definitivamente la melodía y expresarme emocionalmente. Me encanta crear melodías que sean memorables y que puedan ser cantadas, y conseguir que el oyente se emocione cuando escucha mis temas sería la mejor recompensa que podría tener".

2. Discografía.

• En solitario:
  • 1986 - Mind's Eye
  • 1988 - Time Odyssey
  • 1991 - Meltdown
  • 1996 - Out of Nowhere
  • 1999 - The Maze
  • 2000 - Live! (live)
  • 2001 - Defying Gravity
  • 2006 - Collection: The Shrapnel Years (compilation)
  • 2009 - To the Core
• Con Vicious Rumors:
  • 1985 - Soldiers of the Night
• Varios Artistas:
  • 1989 - Guitar's Practicing Musicians
  • 1994 - Deep Purple Tribute: Smoke On The Water
  • 2005 - Subdivisions: A Tribute to the Music of Rush
• Con Alice Coooper:
  • 1991 - Hey Stoopid
• Con Jordan Rudess:
  • 2004 - Rhythm of Time
• Con Sega:
  • 1998 - "Burning Rangers" Game soundtrack for the 'Saturn' video game
• UFO:
  • 2004 - You Are Here
  • 2005 - "Showtime" - (double-live DVD)
  • 2006 - The Monkey Puzzle
  • 2009 - The Visitor

3. Enlaces de interés.

• Vinnie Moore Official Web Site

Stanley Jordan - A Magic Touch In State Of Nature

1. Biografía.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.

1. Biografía.

Stanley Jordan nació en Chicago el 31 de julio de 1959. Hizo su debut en 1982 con su trabajo en solitario Touch Sensitive, aunque su éxito mundial no llegaría hasta 1985 con el álbum Magic Touch, que fue nominado al Grammy y que se convirtió en disco de oro. Es un guitarrista virtuoso y constatado innovador. Posee una destreza sin igual plasmada a través de su excepcional técnica "touch" o "tap", con la que ha desarrollado un nuevo sonido deslumbrante y fascinante dentro del panorama musical progresivo instrumental. Durante el transcurso de sus cinco principales trabajos y algunas publicaciones independientes, Stanley ha explorado nuevos horizontes desde lo terrenal a lo astral. Debido a la extraordinaria originalidad de su estilo de tocar la guitarra, ha sido considerado principalmente como un artista original, orbitando en un universo artístico sin predecesores ni sucesores inmediatos.

Con su innovador nuevo álbum, State Of Nature (su principal publicación en una década, y su debut para la casa Mack Avenue), Stanley Jordan con valentía da un paso hacia delante al utilizar su música para ilustrar aural y profundamente la unificación de verdades sobre las relaciones humanas entre la naturaleza y la humanidad.

Stanley tomó la determinación de seguir esta temática debido a la convergencia de determinadas experiencias. "Uno de los motivos por los que decidí hacer este álbum fueron las revelaciones que descubrí durante mi camino a través del cual intentaba ser mejor persona", afirma. "El otro motivo es que descubrí cierta información alarmante sobre temas medioambientales tales como el calentamiento global, el deterioro de nuestro planeta y el papel que juega el hombre en todo ello. Cuando era joven, mi familia vivía en lo que hoy se conoce como Silicon Valley, que era un extenso terreno con granjas y huertos. Entonces la gente hablaba mucho sobre la preocupación mediambiental, pero llegamos a la época actual y aún sigue siendo un problema. Me pregunto por qué los humanos conocen cosas como el calentamiento global y siguen sin hacer nada. ¿Qué es lo que nos hace ser tan inteligentes y al mismo tiempo tan imprudentes?".

Esta idea le sirvió de inspiración para trazar la estructura temática y musical de las canciones de State Of Nature. La grabación fue realizada en los estudios Tarpan en North California, lo que le permitió visitar la maravillosa localidad de Santa Cruz y sus alrededores, donde se vió inmerso en cursos de concienciación sobre la naturaleza. El resultado podemos encontrarlo en la música que Stanley grabó, navegando a través de texturas clásicas, de rock y jazz con objeto de comunicar sus mensajes de expiación y armonía. Más allá de su técnica touch personal a la guitarra, Stanley utiliza otras técnicas revolucionarias, tales como tocar dos guitarras a la vez, tocar la guitarra y el piano simultáneamente, e incorparación de sonidos de la naturaleza. También incluye tres pequeñas composiciones denominadas "Mind Games - mini canons, palindromes and interludes" (inspirada en aquellas que Earth Wind & Fire grabaron en álbumes clásicos tales como That's the Way of the World) que le dieron la oportunidad de incluir ciertas ideas musicales en el álbum sin cambiar su esencia.

Stanley afirma, "Las dos principales ideas que rondaban en mis pensamientos eran estas: los seres humanos tienen que recuperar la naturaleza, que abarca tanto a nuestro entorno como a nuestros cuerpos, aquella parte de la naturaleza que nos rodea, y necesitamos evolucionar intelectual, espiritual y políticamente. La una no puede funcionar sin la otra. Creo que seremos capaces de resolver mejor los problemas cuando seamos más educados".

State Of Nature también supone su regreso al piano. Que Stanley sea también un pianista es sorprendente, sin embargo fue su primer instrumento cuando era un niño porque había un piano en casa. "Mi hermana dice que yo hacía el tonto con el piano a los tres años. Compuse mi primera canción a los cinco años y comencé las clases a los 7. No empecé con la guitarra hasta que no tuve 11 años. El piano era un instrumento natural para mí. Cuando me siento ante el piano creo músico. Pero no tuve el mismo aprendizaje que tuve para la guitarra. Por lo que siempre me ha intimidado. Fui consciente que, para mi desarrollo personal, debía abandonar mi zona de comfort y superar mi miedo a interpretar canciones al piano. Hay determinados aspectos de mi música que cobran vida al piano. Si deseo aportar dichos elementos, debo ir a cogerlos".

Para describir a Stanley podemos pensar en él como un músico de calidad mundial que marcha, en todos los aspectos, al ritmo de su propia batería. Es un pensador progresivo cuyas metas e ideas van más allá de objetivos discográficos, fortuna o fama.

A partir de Magic Touch (Stanley también fue nominado a un Grammy como Mejor Nuevo Artista o "Best New Artist Grammy" ese año) cada nuevo disco le ha llevado a nuevos territorios vírgenes y emocionantes. Dichos proyectos incluían su álbum de guitarra solista Standars Volume 1 (1986) donde Stanley afirmaba con valentía que las canciones de Stevie Wonder y de los Beatles merecían el reconocimiento como estándares tanto como "Georgia On My Mind". A este le siguió el álbum Flying Home (1988) y especialmente el frenético álbum Cornucopia (1990, nominado al Grammy en la categoría de Mejor Single Pop "Best Pop Single" con la canción que da título al álbum), la mitad del cual fue una grabación de jazz en directo y la otra mitad, grabaciones originales en estudio. A finales de 1994, tras cambiarse a Arista Records, grabó el ecléctivo y fresco álbum Bolero, tocando temas de Herbie Hancock (Chameleon), Jimi Hendrix (Drifting), su original "Plato's Blues" y el tema central del CD, un arreglo de 17 minutos del Bolero de Ravel interpretado con los estilos rock, africano, latino, "groove" e industrial.

Frustrado con las demandas de la industria comercial musical, entre otras cosas, Jordan se retiró a un exilio auto-impuesto para apartarse de la competitividad feroz de la vida moderna de los 90's retirándose a las montañas de Southwest. Resurgió con una nueva orientación en su vida. "Ahora sentía un fuerte deseo por llevar mi música a la gente, no sólo por entretenimiento, sino también como inspiración y curación". Aunque mantiene una agenda de conciertos internacionales bastante ajetreada, su interés principal se centra en los estudios sobre Música Terapéutica y Sonificación (Sonification). Es propietario de una librería y tienda musical en Arizona llamada Sedona. Antes de finalizar State Of Nature, grabó varios discos independientes, entre los que cabe destacar Ragas (una colaboración con músicos de la India junto a Jay Kishor al sitar) y Relaxing Music for Difficult Situations I, como resultado de su interés por la Musicoterapia.

A parte de su gira con motivo de State Of Nature, Stanley ha ampliado su página web, a través de la cual trata de explicar e ilustrar la complejidad e intensidad de los mensajes que persigue por medio de su nuevo álbum así como del uso de fotos, videos, ensayos, etc.

Con temas debidamente documentados, nada puede desviar nuestra atención de la sencilla belleza que nos aporta las canciones de este disco. Finalmente, Stanley quiere que sus fans lo disfruten en cualquier momento. Cobrando su mayor apogeo a través de la canción "Steppn' Out", una versión del conocido "feel-good" (1982) de Joe Jackson, donde aparece como vocalista su hija Julia.

Stanley cree apasionadamente en su mensaje engendrado a partir de su propia experiencia. Jordan concluye, "Si piensas en el espacio y cómo es el vacío, aquí nos encontramos en un planeta que nos coviga. Necesitamos regresar a él. Mira las grietas en la acera. El poder de la vida es tan fuerte que cualquier pequeña planta puede rasgar el hormigón y sobrevivir. Por tanto al final de "Steppin' Out" al igual que una noche en la ciudad, regresamos a los sonidos de la naturaleza. Lo urbano y lo natural pueden coexistir".

2. Discografía.

• 1982 - Touch Sensitive
• 1985 - Magic Touch
• 1986 - Standards, Vol. 1
• 1988 - Flying Home
• 1990 - Cornucopia
• 1991 - Stolen Moments
• 1994 - Bolero
• 1995 - The Best of Stanley Jordan
• 1998 - Stanley Jordan Live in New York
• 2003 - Relaxing Music for Difficult Situations, I
• 2004 - Ragas
• 2004 - Dreams of Peace
• 2008 - State of Nature

3. Enlaces de interés.

• The Official Stanley Jordan Website

George Lynch - Screamin' Demon From The East

1. Biografía
    1.1. Primer Asalto: El comienzo
    1.2. Segundo Asalto: La Experiencia
    1.3. Tercer Asalto: La Resurrección
2. Discografía
3. Enlaces de interés

1. Biografía

1.1. Primer Asalto: El comienzo

George Lynch es uno de guitarristas de heavy metal más reconocidos del mundo. Con una carrera que abarca más de 30 años, George ha grabado más de 20 álbumes, ha realizado conciertos por todo el mundo en muchas ocasiones, y es uno de los más destacados promocionadores de los mejores equipos y guitarras del mundo. Nació el 28 de septiembre de 1954 en Spokane, WA, y comenzó a tocar la guitarra a los 10 años. Un músico con un don natural, su manera de tocar la guitarra progresó rápidamente adquiriendo una gran intensidad y creatividad durante su adolescencia con varias bandas, siendo la más destacada de ellas Sergeant Rocks. A finales de los 70s, George se trasladó a Los Angeles, California, donde formó dos bandas, The Boyz y Xciter. Con Xciter, su estilo único y su habilidad técnica supusieron los principales atractivos para los fans de la banda. Tocó en el circuito de clubs de L.A., donde fue adquiriendo la experiencia necesaria que le conduciría al éxito en los 80s con la legendaria banda Dokken.

El éxito vino rápidamente cuando George Lynch se unió a Dokken a principios de los 80s. Los hechos han demostrado, que la mayor parte de las ventas de discos y la credibilidad de la banda fue debido al talento de George a la guitarra así como a la calidad de sus composiciones. Con Dokken, Lynch grabó cinco discos desde 1983 a 1988, cada uno de los cuales tuvo un gran éxito en los Estados Unidos, Europa y Asia. Este éxito mundial convirtió a George Lynch en uno de los guitarristas de rock más influyentes de la música moderna, hasta el punto de ser nominada la banda para un Grammy en 1989 como "Best Rock Instrumental". En 1989 George se separó de Dokken para comenzar así una nueva década con un estilo diferente formando la banda Lynch Mob.

A principios de los 90s se convirtió en un héroe de la guitarra en todo el mundo. Como resultado, Lynch Mob fue un proyecto inusitado y examinado por todos. En tan sólo 3 años, Lynch Mob grabó dos discos y realizó dos giras mundiales. Tras finalizar el segundo tour, Lynch hizo un paréntesis y se retiró al estudio para grabar su primer album en solitario.

"Sacred Groove", el primer trabajo de Lynch fue publicado en 1993. Por primera vez en su carrera, fue capaz de mostrar distintos estilos musicales y de guitarra de una forma más extensa. Dicho album le consolidó claramente como un músico ecléctico y excéntrico. Tras completar este proyecto, George Lynch se tomó varios años para disfrutar de sus hijos en Arizona. Eso fue antes de que un viejo amigo le volviera a llamar en 1994.

1.2. Segundo Asalto: La Experiencia


Tras su marcha, Dokken continuó sin él, pero a finales de 1994 volvieron a llamarle porque la compañía discográfica se negaba a grabar un nuevo disco de Dokken sin él. Lynch satisfizo las peticiones de la compañía y así comenzó el segundo asalto con la banda. Pronto grabaron dos discos y estuvieron tres años haciendo giras por todo el mundo.

En 1998, Lynch terminó su compromiso con Dokken y volvió a dejar la banda para continuar su trabajo con Lynch Mob. Ello dió lugar a "Smoke This", un album que suponía la culminación de su estilo de guitarra, pero con una nueva aproximación. Durante la gira de 1999 George tocó ante una audiencia nueva que generó un interés renovado por la banda y por su influencia. Se gestó una nueva complicidad entre George, Jeff Pilson (bajista de Dokken) y el batería Michael Frowein dando lugar a un nuevo album de larga duración "Wicked Underground".

El proyecto Lynch/Pilson creció a partir de determinadas ideas que comenzaron junto a Michael Frowein el año anterior en los estudios de Lynch Stonehouse Studios. Jeff Pilson siempre tuvo en mente unirse a ellos para concluir las canciones. Dicha colaboración inspiró a Pilson y Lynch que finalizaron el disco juntos. "Wicked Underground" se publicó bajo el nombre Lynch/Pilson y apareció en las tiendas en abril de 2003.

También en 2003, Lynch comenzó a trabajar de nuevo sobre material previamente grabado con Lynch Mob y Dokken. Para completar esta tarea, George reunió a los miembros de Lynch Mob, Robert Mason y Anthony Esposito, junto con Michael Frowein a la batería. Juntos, volvieron a reinventar el espíritu y el fuego de las primeras composiciones de Lynch en un album titulado, "Revolution", que también fue publicado en 2003. El trabajo de guitarra en "Wicked Underground" y "Revolution" demostraron la consistencia de Lynch con su sonido propio equilibrando al mismo tiempo su faceta más experimental.

1.3. Tercer Asalto: La Resurrección


Actualmente, George Lynch ha estado trabajando en estudio y en carretera. Su último trabajo en solitario "Furious George" muestra un conjunto de canciones que abarcan todas las influencias que ha experimentado durante su carrera. También está trabajando en una recopilación retrospectiva titulada "Lost Lynch". Dicha compilación muestra su progresión y crecimiento natural como músico, guitarrista y escritor/compositor. Abarcando 30 años, "Lost Lynch" muestra desde sus primeras grabaciones realizadas a la edad de 15 años hasta sus últimos éxitos multiplatino logrados durante su carrera. Esta recopilación explora algunos proyectos perdidos distintos de Dokken y Lynch Mob, así como sus últimos proyectos que nunca han llegado a ver la luz.

George Lynch siempre ha evolucionado como músico. Y junto al legado de guitarra de George Lynch han aparecido grandes oportunidades de negocios. Muchos fabricantes de instrumentos de música le consultan a George, por su creatividad, para fabricar nuevos productos. Como resultado, se han desarrollado muchos productos de calidad que tienen su nombre.

El más notable es su promoción de Guitarras ESP. ESP ha tenido a George como su principal y más destacado patrocinador durante casi 20 años. El gurú de las pastillas de guitarra eléctrica Seymour Duncan también ha honrrado a George con su serie de pastillas modelo George Lych llamadas "Screamin' Demon". En estos momentos la pastilla "Screamin' Demon" tiene la reputación de ser uno de los productos más populares de Seymour Duncan. Lynch y Seymour Duncan desarrollaron la "Super V", una nueva pastilla inicialmente disponible en la nueva guitarra ESP de George Lynch Super V, que fue presentada en el congreso NAMM '05. George también ha concebido el diseño del sistema de selección triple de amplificación llamado "Tripler" que es fabricado por Morley. Ha trabajado también en un juego de cuerdas signature que se presentó en uno de los congresos de la NAMM. En 2005, los amplificadores Randall presentaron un amplificador modular llamado "Lynch Box". También es destacable la colaboración entre George Lynch y Robert Keeley a partir de cual nació el "Lynch Time Machine", una potente y única unidad de efectos que está adquiriendo una gran aceptación en la industria de la guitarra.

2. Discografía

• Dokken:
  • 1983 - Breaking the Chains
  • 1984 - Tooth and Nail
  • 1984 - Under Lock and Key
  • 1987 - Back for the Attack
  • 1988 - Beast from the East
  • 1994 - The Best of Dokken (1994) - Japanese release
  • 1995 - One Live Night (Edición Japonesa, Re-editado en el resto del mundo varios meses después)
  • 1995 - Dysfunctional
  • 1997 - Shadowlife
  • 2006 - The Definitive Rock Collection
  • 2007 - From Conception: Live 1981
• Lynch Mob
  • 1990 - Wicked Sensation
  • 1992 - Lynch Mob
  • 1998 - Syzygy
  • 1999 - Smoke This
  • 2003 - Evil: Live
  • 2003 - REvolution
  • 2003 - REvolution LIVE!
  • 2009 - Smoke and Mirrors
• Solo
  • 1993 - Sacred Groove
  • 1999 - Live In Florida
  • 2000 - Will Play for Food
  • 2001 - Stone House
  • 2002 - The Lynch That Stole Riffness!
  • 2004 - Furious George
  • 2005 - The Lost Anthology
  • 2007 - Scorpion Tales
  • 2007 - Guitar Slinger
  • 2010 - Orchestral Mayhem
• Lynch/Pilson
  • 2003 - Wicked Underground
• Tony MacAlpine
  • 1987 - Maximum Security
• Xciter
  • 2006 - Xciter
• Lana Lane
  • 2006 - Gemini
• Souls of We
  • 2008 - Let the Truth Be Known
• George Lynch & The Stahlwersfonie Orchestra
  • 2009 - Christmas / Sarajevo
• Hear 'n Aid
  • 1986 - Stars
  
  

3. Enlaces de interés

• George Lynch Official Web Site
• George Lynch On MySpace Music

Randy Rhoads - The Early Neoclassical Years

1. Biografía.
    1.1. Infancia.
    1.2. Quiet Riot.
    1.3. Ozzy Osbourne.
    1.4. Fallecimiento.
2. Discografía.
3. Enlaces de interés.


1. Biografía.

1.1. Infancia

Randall William "Randy" Rhoads nació el 6 de diciembre de 1956 en el hospital St. John en Santa Mónica, California. Fue el más joven de tres hermanos. Su hermano mayor, Doug, al que llamaban Kelle Rhoads, es batería y vocalista y se dedica a hacer arreglos de composiciones clásicas. Su hermana se llama Kathy.

Cuando Randy cumplió los 17 meses, su padre, William Arthur Rhoas, abandonó a su madre, Delores Rhoads, y a sus tres hijos, pero permaneció en contacto con Randy hasta sus últimos días. La señora Rhoads era dueña y directora de la escuela de música Musonia en el norte de Hollywood, California, desde 1949. Randy comenzó a tocar la guitarra a los seis años con la guitarra de su abuelo, una guitarra acústica clásica Gibson modelo "Army-Navy". De acuerdo a la madre de Rhoads, él empezó tocando la guitarra folk, un método popular de aprendizaje de guitarra de aquella época, aunque no asistió a muchas clases. Rhoads siempre evolucionó hacia un estilo rock/metal de guitarra solista, sin embargo se vió fuertemente influenciado por la música clásica también.

1.2. Quiet Riot

A los 14 años formó una banda llamada Violet Fox (el segundo nombre de su madre, Violeta), junto a su hermano mayor Kelle a la batería. Violet Fox realizó varias actuaciones en el "Grand Salon" de Musonia, de la escuela de Delores Rhoads. Entre las canciones que tocaron se encontraba "Mississippi Queen" de Mountain, así como canciones de The Rolling Stones, Alice Cooper, y David Bowie. Tras la disolución de Violet Fox, Rhoads, enseñó a tocar el bajo a su mejor amigo Kelly Garni, y junto a él formó una banda denominada The Whore (ensayando durante el día en la English Disco de Rodney Bingenheimer, un famoso pub nocturno de los 70's de Hollywood), pasando varios meses actuando en fiestas en Los Angeles. Juntos formaron Quiet Riot cuando Rhoads tenía 16 años. Kevin DuBrow hizo una prueba en la cocina de Rhoad tras la que convenció a Rhoads y Garni para que le dieran una oportunidad. El batería, Drew Forsyth, también se unió al grupo con el que ya había tocada en otras ocasiones en el pasado.

Al principio Quiet Riot tocaba en pequeños bares de Hollywood y en fiestas locales en Burbank, tocando al final en los dos principales clubs de música de L.A.: en el Whisky a Go Go, y en The Starwood. A pesar de que la banda era muy popular en la escena de clubs de los L.A., fueron incapaces de firmar un contrato con una discográfica en los Estados Unidos. A pesar de ello, finalmente la banda consiguió un contrato con la casa japonesa CBS/Sony Records con la que grabaron sus dos discos Quiet Riot y Quiet Riot II.

1.3. Ozzy Osbourne

En 1979, el excantante de Black Sabbath Ozzy Osbourne estaba formando su propia banda. Durante una entrevista con los editores de la revista Raw Power, Robert Olshever, Murray Schwartz y Scott Stephens (futuro cantante de Liquid Blue), Ozzy mencionó que estaba buscando un nuevo guitarrista. El nombre de Randy apareció como sugerencia en la entrevista y al siguiente día Robert le preguntó a su amigo y futuro bajista de Slaughter, Dana Strum, que le preguntase a Randy si estaba interesado. Rhoads se citó para una audición justo antes de realizar su último show con Quiet Riot. El acudió con su guitarra Les Paul y un amplificador y comenzó a calentar, inmediatamente Ozzy le dió el trabajo. Rhoads recordaba posteriormente, "Yo sólo afiné y toqué algunos riffs, y él dijo, 'Tienes la actuación.' tuve una extraña sensación, porque pensé, 'todavía no me has escuchado.'". Osbourne describió la forma de tocar de Randy como "Dios entró en mi vida". Rhoads posteriormente recomendó a su amigo Greg Leon, que también dió clases de guitarra en Musonia, para que le sustituyera en Quiet Riot, entonces se marchó a UK para escribir y grabar un disco con Osbourne en noviembre de 1979.

La banda, entonces conocida como Blizzard of Ozz entró en estudio para grabar su album de debut, que también se llamaría Blizzard Of Ozz. La guitarra de Rhoads había cambiado debido al grado de libertad que le dió Ozzy y Bob Daisley y fue animado para que tocara lo que quisiese. Su trabajo con Quiet Riot fue criticado por ser "apagado" y no basarse en arreglos o escalas clásicas. Propulsado por el trabajo de guitarra neo-clásico de Rhoads, el album demostró ser un éxito para los fans rockeros, particularmente en USA. Grabaron dos singles para esta album: "Mr. Crowley" y "Crazy Train". La gira británica de 1980-81 para Blizzard of Ozz la hicieron con Bob Daisley y Lee Kerslake. Tras su gira por UK, la banda publicó otro LP antes de terminar la gira Blizzard Of Ozz. Antes de finalizar dicha gira, Lee Kerslake y Dob Daisley fueron despedidos por la futura esposa de Ozzy, Sharon Arden. En su lugar contrataron a Tommy Aldridge y Rudy Sarzo. Se publicó Diary Of A Madman tras Blizzard Of Ozz en octubre de 1981, y puesto que Kerslake y Daisley ya estaban fuera de la banda, Aldridge y Sarzo aparecieron en las fotos del album. Este fue el origen de innumerables batallas en los juzgados en el futuro. "You Said It All" y "You Looking At Me, Looking At You" se convirtieron en joyas de coleccionismo porque sólo se publicaron en algunos singles. El album Tribute fue publicado años después.

En aquella época Rhoads le comentó a Osbourne, a los compañeros Tommy Aldridge y Rudy Sarzo, y a su amigo Kelly Garni que estaba pensando dejar el rock durante algunos años para estudiar y obtener el graduado en guitarra clásica en UCLA. En el documental "Don't Blame Me" Osbourne confirmó el deseo de Randy de licenciarse y afirmó que si hubiera seguido con vida no hubiera permanecido en su banda. Su amigo el ex-bajista Kelly Garni ha afirmado en entrevistas que si Randy hubiera continuado tocando rock, hubiera evolucionado hacia un rock orientado a los teclados, que hubiera sido muy popular en los 80's.

Fue en aquel tiempo cuando Rhoads comenzó a ser reconocido como un gran guitarrista y por su calidad técnica a la guitarra. Justo antes de su muerte la popular firma Jackson Guitars creó un modelo signature para él, la Jackson Randy Rhoads o Randy Rhoads Pro (aunque se recomendó que se llamase Jackson Concorde). Randy recibió dos prototipos, uno negro y otro blanco, lamentablemente murío antes de verlas en el mercado. Rhoads también recibió el premio al Mejor Nuevo Talento (Best New Talent) de la revista Guitar Player.

1.4. Fallecimiento

El último concierto de Randy Rhoads tuvo lugar el jueves 19 de marzo de 1982 en Knoxville Civic Coliseum en Knoxville, Tennessee. Al día siguiente, la banda se dirigía a un festival en Orlando, Florida. Después de conducir durante casi toda la noche, pararon en una propiedad perteneciente a Jerry Calhoun, dueño de "Florida Coach", en Leesburg, Florida. Allí, había una pequeña pista de aterrizaje con pequeños aviones y helicopteros, y dos casas. Una pertenecía al conductor del autobus de la gira, Andrew Aycock, y la otra a Calhoun. Aycock convenció al teclista de la banda, Don Airey, para que hiciera un test de vuelo en un avión '55 Beechcraft Bonanza F-35. Algunos dicen que el manager, Jake Duncan, también iba en este primer vuelo.El vuelo concluyó, y el avión aterrizó a salvo. Después Aycock llevó a Rhoads y Rachel Youngblood (peluquera/costurera) en otro vuelo. Airey convenció a Rhoads para que fuera en el segundo vuelo, a pesar del miedo que tenía a volar. Rhoads aparentemente aceptó por dos razones: la costurera tenía problemas de corazón y Aycock se comprometío a no hacer nada arriesgado, y por otro lado Rhoads quería tomar fotos aéreas puesto que la fotografía era uno de sus hobbies. Durante el segundo vuelo, sobrevolaron varias veces al autobús donde se encontraban durmiendo los miembros de la banda. Hicieron dos pasadas, pero a la tercera se produjo una colisión. El ala izquierda perforó la parte trasera del autobús, rompió el techo de fibra de vidrio y el avión salió despedido en espiral. Rozó con un pino y se estrelló en un garaje de una mansión cercana, estallando en llamas. Rhoads murió instantáneamente, así como Aycock de 36 años, y Youngblood con 58 años. Los tres cuerpos no pudieron ser reconocidos por las quemaduras, y fueron identificados mediante registros dentales. Posteriormente la autopsia reveló que Aycock había consumido cocaína. El test toxicológico que se hizo a Rhoads reveló sólo nicotina. La investigación realizada por la NTSB también desveló que el certificado de Aycock había caducado y que su permiso de vuelo bianual, que se requería para pilotar, había finalizado.

El funeral de Rhoads tuvo lugar en la iglesia First Lutheran en Burbank, California. Randy está enterrado en el cementario de Mountain View en San Bernardino, California, donde descansan también los restos de sus padres.

2. Discografía.

1. Quiet Riot:
   • 1977 - Quiet Riot
   • 1978 - Quiet Riot II
   • 1993 - The Randy Rhoads Years
2. Ozzy Osbourne:
   • 1980 - Crazy Train (Blizzard Of Ozz Single)
   • 1980 - Mr. Crowley (Blizzard Of Ozz Single)
   • 1980 - Mr. Crowley Live EP
   • 1980 - Blizzard Of Ozz
   • 1981 - Fly High Again (Diary Of A Madman Single)
   • 1981 - Over the Mountain (Diary Of A Madman Single)
   • 1981 - You Can't Kill Rock N' Roll (Diary Of A Madman Single)
   • 1981 - Diary Of A Madman
   • 1987 - Tribute

3. Enlaces de interés.

• Randy Rhoads Club
• Diary Of An Axeman
• Randy Rhoads in Facebook